Искусство. Страница 6

"Рыбы вокруг влюбленных"
Джеймс Кристенсен, 1990-е

Джеймс Кристенсен – американский художник, которого вдохновляли мифы, фантазии и сказки, но в его творчестве есть и картины религиозной тематики.

На картине "Рыбы вокруг влюбленных", как и на многих других его работах, изображены летучие рыбы. Для художника рыба – символ магии и мудрости, а многослойная средневековая одежда и одежда эпохи Возрождения, а также согнутые спины, символизируют бремя, которое мы несем в жизни.

Его работы восхитительны, в них огромное количество деталей, они сложные и декоративные. Большое влияние на его творчество оказало искусство Уругвая, где Кристенсен занимался миссионерской деятельностью от церкви масонов.

Художник получил все профессиональные награды в области искусства, которые предлагает Всемирная научная фантастическая конвенция и многочисленные награды Чесли от Ассоциации художников-фантастов и фэнтези-художников.

"Купчиха за чаем"
Борис Кустодиев, 1918
> Санкт-Петербург, Русский музей

Борис Кустодиев – портретист, театральный художник, декоратор.

Сложно в это поверить, но свои самые жизнерадостные картины художник создавал полуголодным, прикованным к инвалидной коляске, превозмогая страшные боли. В 34 года Кустодиев стал инвалидом из-за опухоли спинного мозга.

Один из любимых персонажей Бориса Кустодиева – купчихи. Художник писал их много и в разных интерпретациях. Он грезил о красоте, изобилии и достатке.

"Купчиха за чаем" уникальна своей силой и гармонией. Она сидит на балконе за накрытым столом на фоне города с церквями и торговыми рядами. Дородная женщина в изобилии!

Поразил зрителей и гастрономический натюрмотр на переднем плане. В стране был голод, люди только и мечтали о хлебе.

Пестрая провинциальная жизнь, кустодиевские купчихи и красавицы – это тот ностальгический мир художника, которым он жил в те тяжелые годы. Он писал ту Россию, которая уже исчезла, а новую он так и не узнал.

"Голгофа"
Николай Ге, 1893
> Москва, Третьяковская галерея

Главной темой позднего творчества Ге станут последние дни жизни Христа, а целью – разбудить сочувствие современников: "Я сотрясу все их мозги страданием Христа".

На картине "Голгофа" Иисус предстает как истерзанный человек маленького роста в грязновато-лиловом одеянии, со всклокоченными волосами. Он стоит, зажмурив глаза и отчаянно стискивая руками голову. Этот образ оказался слишком экспрессивен и реалистичен для зрителя. Публика была шокирована.

Современники считали картину незавершенной. Но это была продуманная и выстраданная эстетика. Ге первым среди русских художников уловил новое реалистическое направление в библейских сюжетах. Мощное воздействие картины на зрителя было предвосхищением экспрессионизма.

Полотна мастера снимали с выставок, запрещали делать с них репродукции, их отказывались покупать. Только к концу ХХ века "Голгофу" оценили по достоинству.

"Безжалостная красавица"
Фрэнк Дикси, 1890
> Бристоль, Музей и художественная галерея

Френк Бернард Дикси – английский художник и иллюстратор. Он нередко обращался к древним легендам, воспевающим образ Прекрасной Дамы и идеалы рыцарства. Эта область творчества художника сближает его с прерафаэлитами.

Картина написана к одноименной поэме Джона Китса. По сюжету в балладе произошла встреча безымянного рыцаря и загадочной феи. Прекрасная девушка околдовала рыцаря и он проснулся в "краю холодных холмов" и теперь бесцельно бродит в бесплодных землях.

Художник обладал великолепной живописной техникой, скрупулезно подходил к исполнению мельчайших деталей картины. Его произведениям свойственны свежие тона и выразительный цвет.

Фрэнк Дикси был также великолепным портретистом, предпочитая писать красивых женщин. Женская красота стала темой целого ряда жанровых полотен. Изображения утонченных дам принесли ему немалый успех, материальный в том числе.

Акварельный натюрморт
Шин Чен Сик

Шин Чен Сик – современный корейский художник. Этот акварелист мастерски владеет кистью и имеет тонкое ощущение фактуры.

Акварели Шин Чен Сика притягивают невероятной цветовой смелостью, на которую не каждый художник может отважиться. Из-за этих сочных красок работы мастера получаются очень живыми. Эффекта внутреннего свечения он достигает, выделяя или наоборот пряча отдельные участки картины.

Его удивительно воздушные акварели – это результат сочетания врожденного таланта художника и невероятной способности тонко чувствовать оттенки цвета и свет.

Чаще всего художник пишет красочные натюрморты, но также в коллекции Шин Чен Сика много пейзажей. В наши дни акварельные картины художника украшают многие частные и государственные собрания в разных стран мира.

"Венера уговаривает Елену любить Париса"
Ангелика Кауфманн, 1790
> Санкт-Петербург, Эрмитаж

Среди любимых сюжетов Кауфманн – жанровые композиции на мифологические темы. Она пишет то Вакха, окруженного нимфами, то Амура и Психею, то Венеру среди Граций. Одна из работ посвящена драматическому сюжету древней истории.

Казалось бы, обычная ситуация: одна женщина, пусть и богиня любви, объясняет другой, как хорош влюбленный в нее юноша. Но в результате разразилась кровопролитная Троянская война, в которой бились друг с другом боги, герои и обычные люди, а города исчезали с лица земли.

"Едоки картофеля"
Винсент ван Гог, 1885
> Амстердам, Музей Ван Гога

Картина относится к периоду раннего творчества Ван Гога. Он еще ищет свой неповторимый стиль и гордится своим первым шедевром.

Скудное убранство дома, мрачная цветовая гамма и грубые лица героев картины производят гнетущее впечатление. Семейство собралось поздним вечером при свете лампы за ужином.

Крестьяне с серыми, замученными лицами едят картошку, чтобы жить и ухаживать за этим самым овощем. Такой вот безрадостный круговорот событий.

Художник долго работал над этой картиной, ему хотелось передать насколько тяжел бывает труд людей. Картина "Едоки картофеля" не была оценена по достоинству, часто даже трактовалась как оскорбление и попытка высмеять крестьянство.

"Большой канал в Венеции. Голубая Венеция"
Эдуард Мане, 1875 год

Мане совершил поездку в Венецию осенью 1875 г. со своей женой и художником Джеймсом Тиссо.

Этот всемирно известный город-музей, таинственный и незабываемый, со струящимися улицами-каналами, главной из которой является Большой канал, вызывал во все века восторг у поэтов, музыкантов, художников от Байрона до Фосколо, от Каналетто до Кановы и Вагнера.

Большой канал – то прозрачный и спокойный, то вздымающийся пеной, то угрюмый, в зависимости от колорита неба и от сезона – художник запомнил как живой, играющий солнцем неповторимый облик очаровательной Венеции.

"Портрет Винсента Ван Гога"
Анри де Тулуз-Лотрек, 1887 год

В мастерской Кормона, кроме художника-символиста Бернара, Тулуз-Лотрек познакомился с Ван Гогом. Личность гения покорила молодого художника, и он решил написать его портрет, который так и назвал – «Портрет Винсента Ван Гога».

С помощью техники раздельного мазка, приема, выделяющего работы Ван Гога, Лотрек создал полотно, практически полностью отвечающее как манере живописи самого мастера, так и соответствующее его канонам передачи цветовой гаммы. Подражанием стилю великого голландца, Лотрек выразил дань уважения его таланту.

Кроме идеального повторения манеры письма, в картине присутствует отчетливая психологическая составляющая: несмотря на то, что портрет художника выполнен в профиль, ощущается нервное напряжение Ван Гога, его внутреннее возбужденное состояние.

"Извлечение камня глупости"
Иероним Босх, 1501-1505 гг.

История о том, что дураку, чтобы поумнеть, нужно произвести лоботомию и извлечь из головы камни, основывается на представлении, отражённом в голландских поговорках. О недалёком человеке принято было выражаться «Он знает не больше глупых камней», об откровенно глупом говорили: «У него в голове камень».

Наличие посторонних предметов в голове понималось в средние века не образно, а буквально. Об этом говорит простой факт: по деревням кочевали шарлатаны, выдававшие себя за докторов, которые разыгрывали настоящие представления по удалению «лишнего» содержимого черепной коробки. Разумеется, за деньги. Доверчивому больному после имитации операции предъявлялись камни, якобы извлечённые из его больной головы.

Почему же из раны извлекается не камень, а цветок? Известно, что на родине Босха тюльпан из-за его дороговизны был синонимом понятия «шальные деньги». Это могло бы усилить мысль, что доверчивого простофилю на картине бесстыдно обирают.

"Щеколда"
Жан-Оноре Фрагонар, 1777 год

«Щеколда» – одно из полотен художника, посвященных любовным утехам галантной эпохи. Влюбленности и романы были в моде при дворе, часто составляя образ жизни его праздных представителей. Сюжет прост и ясен. Ретивый влюбленный стремится задвинуть щеколду, закрываясь со своей избранницей в комнате с огромным роскошным ложем.

Прелестница, опять же по моде и согласно неписаным правилам любовного этикета, притворно останавливает его, словно заботясь о нравственности, однако всем своим видом показывает ту крайнюю степень любовного томления, от которой нетерпеливый молодой человек готов сойти с ума – и даже забыть про незадвинутую щеколду.

"Меркурий и Аргус"
Диего Веласкес, 1659 год

Работа последнего периода творчества Веласкеса, когда его жизнь уже склонилась к закату. Единственная картина из написанного Веласкесом мифологического цикла «Аполлон», «Адонис и Венера», «Психея и Купидон», которая дошла до нашего времени. Остальные, к великому сожалению, сгорели.

Не так уж много картин Веласкеса имеют другую тематику, кроме портретной. Во многом это обусловлено тем, что художник был постоянно загружен именно портретной работой, которую он был обязан выполнять постоянно и много, так как был придворным художником короля Испании.

"Пророк Иезекииль"
Микеланджело Буонарроти, 1508-1512

Сикстинская капелла собора святого Петра в Риме – это вершина творчества Микеланджело как мастера монументальной живописи. Роспись плафона его кисти до сих пор вызывает восторг у зрителя и недоумение, как он мог справиться с таким гигантским объемом очень сложной физически работы.

Иезекииль – ветхозаветный пророк, автор одной из книг Ветхого Завета Библии, названной его именем. По преданию, Иезекиилю явились четверо фантастических существ, суть которых по-разному трактует традиционный иудаизм и христианство. Талмуд вообще запрещает толкование видения, а в христианстве его объясняют пророчеством о появлении Иисуса Христа и четверых евангелистов.

За спиной старца разместились два путти, традиционных маленьких ангелочка в образе детей, характерных для итальянской живописи этого периода. Сам Иезекииль одет очень выразительно. Его наряд простой по крою, но очень богатый цветовыми сочетаниями.

"Продажа ребенка-невольника"
Василий Верещагин, 1872 год

В 1870-х годах Верещагин путешествовал по Туркестану. Художник создал огромную серию этюдов и рисунков, отображающих быт народов Средней Азии накануне и в период русского завоевания. В это время в Туркестане господствовали отсталые феодальные отношения, существовали дикие обычаи и обряды.

Религиозный фанатизм мусульманского духовенства процветал среди страшной бедности и невежества населения. Беспрерывные войны одного феодала против другого опустошали селения и разоряли народ. Все это произвело сильное впечатление на чуткого художника.

В картине «Продажа ребенка-невольника» художник гневно обличает другую мрачную сторону среднеазиатской действительности того времени – работорговлю. Изобразив в качестве «живого товара» не взрослого человека, а беззащитного, беспомощного ребенка, Верещагин усилил трагическое звучание темы.
#Третьяковская_галерея

"Тропический пейзаж с сельскими домами и пальмами"
Камиль Писсарро, 1856 год

В 21 год Писсарро покинул свой дом и переехал в Венесуэлу, чтобы полностью посвятить себя живописи. В течение нескольких лет он вместе со своим учителем Фрицем Мельбюем безостановочно рисовал все, что видел, включая дома, пейзажи, деревни.

Одной из таких работ, созданных им в Южной Америке, является картина «Тропический пейзаж с сельскими домами и пальмами», на которой изображена сельская местность с парой домов. Это одна из его самых ранних работ и хороший пример того, как Писсарро начинает чувствовать себя художником. Сегодня картина находится в коллекции Национальной художественной галерее в Каракасе.

"Магический круг"
Джон Уильям Уотерхаус, 1886 год

«Магический круг» – одна из ранних работ Уотерхауса, отражающая его увлечение экзотикой. Женщина представляет собой, по всей видимости, колдунью или жрицу, наделенную магической силой. Ее платье и общий вид весьма эклектичны и основаны на нескольких традициях: лицо женщины смуглого цвета и средневосточного происхождения, прическа напоминает ранних англосаксов, платье украшено как у персидских или древнегреческих воинов.

В левой руке женщина держит серп в форме полумесяца, что связывает ее с Луной и Гекатой. С помощью палочки в правой руке она очерчивает вокруг себя защитный магический круг. Вне круга пейзаж голый и бесплодный, группа грачей или воронов и лягушка (все они символы зла и связаны с колдовством) исключены из круга. Но в его пределах находятся цветы и сама женщина, символы красоты. Таинственность и экзотичность картины вызывают отклик у современных зрителей.
#Tate

"Этапы жизни"
Каспар Давид Фридрих, 1834 год

«Этапы жизни» – аллегорическая картина представляет собой размышления художника на тему смерти и быстротечности жизни. Пожилой мужчина – сам Фридрих, молодой человек в цилиндре – племянник художника, мальчик помладше – сын Густав Адольф, маленькая девочка и женщина – дочери Агнес Адельхайд и Эмма.

Пяти людям на берегу соответствуют пять кораблей в море: корабль по центру олицетворяет мать, маленькие лодки у берега – детей, которые, как и лодки, лишь начинают свой путь в мелкой и чистой воде. Корабли на горизонте символизируют более поздние этапы жизни двух мужчин.

Мужчина в цилиндре оглядывается назад, ровно как один из больших фрегатов, который повернут носом к берегу. Он бросает взгляд на брошенные вещи, как на символ того, что после себя оставляет в этом мире человек. А старик смотрит вдаль, его поза выдает удивительное спокойствие, словно он покорно принимает свою участь и готов отправиться в последнее плавание.
#MDBK

"Мадонна со щеглом"
Рафаэль Санти, 1506 год

«Мадонна со щеглом» была свадебным подарком для Лоренцо Нази, друга Рафаэля и в целом своем виде просуществовала всего около сорока лет. В середине 16 века произведение, написанное маслом на доске, разбилось на множество фрагментов вследствие разрушения дома Нази. И только в 2008 году, с появлением технологических возможностей, бесценное произведение снова приобрело свое изначальное великолепие.

Это очень тихая, невыразимо грустная картина. Щегол – символ страстей Христовых – обычно появлялся в руках младенца Иисуса как предвестник его будущих страданий. Маленький Иоанн Креститель протягивает Христу его будущую боль, его муку – и младенец со взрослым взглядом совершенно осознанно принимает ее.

Книга в руках Марии отсылает к предопределенности судьбы Христа, к ее «уже написанности». Подорожник под ногой Марии – символ смирения и терпения (сколько бы его не затаптывали вдоль дорог, он все равно растет).
#Уффици