Искусство. Страница 4

"Благовещение"
Маттиас Стомер, 1633-1638
> Флоренция, Уффици

Маттиас Стомер – нидерландский художник-караваджист (последователь итальянского художника Караваджо). От него Стомер перенял особенности передачи светотени, которые использовал в данной работе.

В картине "Благовещение" на глубоком темном фоне светом свечи выделяются Дева Мария и архангел Гавриил. Свет как бы выхватывает их фигуры из сумрака комнаты. Мария испытывает удивление и испуг при виде архангела. Именно этот момент использует для изображения Стомер. Контрастное освещение усиливает напряжение всей сцены.

Персонажи картины лишены всякого благообразия – их облик прост и демократичен, а само легендарное событие передается как явление жизненное, достоверное. Благодаря композиции и свещению зритель чувствует себя стоящим совсем рядом с происходящим действием.

Картины Маттиаса Стомера находятся в нескольких крупных музеях мира, в том числе и в Эрмитаже.

"Красный всадник"
Иван Билибин, 1900

Иван Яковлевич Билибин – русский художник, иллюстратор и театральный оформитель. Эта работа – иллюстрация к сказке "Василиса Прекрасная". Для билибинского рисунка характерно такое графическое представление.

Начиная работу, он набрасывал эскиз. Чёрные орнаментальные линии чётко ограничивали цвета, задавали объём и перспективу в плоскости листа. Потом графический рисунок заполнялся акварельными красками. Для обрамления Билибин щедро использовал орнамент.

За отточенность стиля и твердость линии художника называли "Иван – железная рука". Многочисленные театральные работы мастера отличались оригинальностью и первозданной красотой. Есть у Билибина и работы, связанные с церковной живописью.

Билибин работал и в сфере рекламы. Создавал рекламные плакаты, афиши, эскизы почтовых марок и открытки. На основе его рисунка двуглавого орла была создана эмблема Банка России. Умер художник в блокадном Ленинграде в 1942 году.

Женский портрет
Ичиро Цурута, 1999

Ичиро Цурута – современный японский художник, график. Впервые его работы были показаны в рекламном ролике японской косметической компании NOEVIA.

Изображения лиц японских женщин основывались как на японских художественных традициях, так и на традициях модерна. Ичиро Цурута пишет в стиле бидзинга (изображения красивых женщин).

Художник использет яркие цвета и простые, чистые линии. Цурута смело сочетает острые углы, плавные изгибы и заманчивые выражения лиц, которые оживляют женские изображения. В этих образах живёт вся лаконичность и загадочность Востока.

Можно сказать, что на всех портретах художник повторяет один и тот же собирательный образ. "Я хочу нарисовать свою собственную Музу" – сказал Ичиро Цурута. Видимо, эта Муза и повторяется на его картинах, меняя выражения лица, позы и наряды.

Ичиро Цурута создал свой узнаваемый и лаконичный стиль, который позволил ему стать одним из наиболее успешных коммерческих художников Японии.

"Совлечение одежд с Христа"
Эль Греко, 1577-1579
> Толедо, Толедский собор

Эль Греко (Доминикос Теотокопулос) – живописец, скульптор и архитектор эпохи Испанского Ренессанса. Художник был родом с острова Крит, почему и получил такое прозвище.

Стиль Эль Греко был настолько индивидуален, что его работы невозможно отнести ни к одной традиционной школе. Одна из самых известных его картин – "Совлечение одежд с Христа" для собора в Толедо. Размер полотна почти 3х2 метра.

Светлый лик Спасителя и его ярко-красный хитон резко контрастирует с грубыми фигурами столпившихся вокруг людей. Композиция картины сжата, чтобы подчеркнуть давление мучителей на Христа. Зрители признали работу чересчур новаторской, но она имела огромный успех.

Эль Греко объединил в своем творчестве византийские традиции и западную школу живописи. Его работы известны своей необычной палитрой красок и удлинёнными фигурами. Превыше всего Эль Греко почитал свободу творчества и всячески отстаивал новизну, разнообразие и сложность.

"Уна и лев"
Уильям Белл Скотт, 1860
> Эдинбург, Национальная галерея Шотландии

Уильям Белл Скотт – британский художник, график, поэт и мемуарист. Как живописец, Скотт был близок к прерафаэлитам, которые хотели вернуть искусство к искренности, простоте, высокой детализации и глубоким цветам.

На создание данной картины Скотта вдохновила поэма Эдмунда Спенсера "Королева фей". Одна из сюжетных линий рассказывала о красавице Уне, чьи родители были захвачены ужасным драконом. Отважная Уна пустилась в путь, чтобы найти и освободить их.

Во время своей трудной дороги она прилегла отдохнуть на лужайке, а из леса вышел голодный лев. Вместо того чтобы растерзать ее, зверь, пораженный красотой девушки, сжалился над ней и стал ее защитником.

Сюжет "Уна и лев" много раз использовался мастерами в живописи, графике и скульптуре. В 2019 году создана золотая инвестиционная монета весом 5 кг, где в образе Уны представлена британская королева, а лев символизирует народ Великобритании.

"Натюрморт. Посуда"
Амеде Озанфан, 1920
> Санкт-Петербург, Эрмитаж

Амеде Озанфан – французский художник и теоретик посткубизма. Вместе с художником и архитектором Ле Корбюзье основал пуризм в живописи. Пуризм стал символом порядка, баланса и технического прогресса.

Кубизм, наиболее растространенный стиль в те времена, Озанфан считал слишком субъективным. Будучи знатоком классики, он хотел ввести кубизм в более упорядоченные рамки.

Картины Озанфана отличаются холодной точностью рисунка, смягчённого нежными, приглушёнными цветовыми тонами. Композиции предметов помещены на гладком, не проработанном фоне. Логика, простота и никаких украшательств. Предметы изображены профильно и своей геометрической четкостью напоминают архитектурные проекции деталей здания.

Ле Корбюзье и Озанфан серьезно поссорились по идейным соображениям. Это недоразумение стало окончанием сотрудничества двух художников и концом движения пуризма.

"Поцелуй"
Густав Климт, 1907-1908
> Вена, Бельведер

Густав Климт – австрийский художник, яркий представитель модерна. Изобразительная манера Климта складывалась из многих источников: византийских мозаик, живописи прерафаэлитов, японской графики и примитивного искусства.

Картина "Поцелуй" относится к "золотому" периоду творчества Климта. При ее создании Климт смешивал масляные краски с сусальным золотом. Это стало его фирменным стилем.

На краю цветочной поляны, в золотой ауре, стоят погружённые друг в друга влюблённые. Мужчине соответствуют характерные "жёсткие" формы орнамента, женщине – "мягкие", округлые элементы, хотя они соединены золотым одеянием и объятиями в единое целое.

Живописи Климта свойственна декоративность, орнаментальность и яркие цвета. За любовь к золотому фону, мозаичность манеры и стилизацию линий Климта называли "чужеземцем из Византии".

Картина "Поцелуй" была продана галерее в незаконченном виде за рекордную по тем временам для Австрии сумму в 25 тысяч крон.

"Семья Линча"
Джозеф Хирш, 1946
> Канзас, Музей искусств Нельсона-Эткинса

Джозеф Хирш – американский художник, иллюстратор, монументалист. Он создавал произведения на острые социальные темы, критиковал неравенство, безработицу и расизм. На картине "Семья Линча" изображена молодая черная мать с ребенком на руках, обезумевшая от горя.

Глубокий синий цвет фона сливается с цветом платья героини. Поза женщины экспрессивна и одновременно красива. Стена, похожая на абстракционистскую живопись, контрастирует с реалистически прописанными руками матери. Картина была опубликована в качестве иллюстрации в коммунистическом журнале после линчевания двух черных мужчин и их жен.

Судом Линча называют убийство человека, подозреваемого в преступлении без суда и следствия, обычно с расовым подтекстом. Цель линчевания состояла в том, чтобы обеспечить превосходство белой расы. "В своей картине я хочу критиковать то, что я ненавижу" – писал Джозеф Хирш.

"Святая Мария Магдалина"
Пьетро Перуджино, ок.1500
> Флоренция, Галерея Питти

Пьетро Перуджино – итальянский живописец эпохи Возрождения.

На картине "Святая Мария Магдалина" он изобразил последовательницу Иисуса Христа которая, согласно евангельскому тексту, следовала за Христом, присутствовала при Распятии и была первой, увидевшей Воскресшего Иисуса.

Это образ милой девушки, погруженной в свои мысли. Ее тонкие руки лежат на невидимом парапете – данный прием был заимствован от нидерландцев.

Перуджино тщательно выписал утонченные черты лица, платье и меховую отделку, оттеняющие матовую кожу молодой женщины. Моделью художника была его жена, Кьяра Фанчелли.

Художник использовал технику сфумато – сглаживание контуров и цветовых переходов, для изображения легкого свечения.

Уравновешенность, гармоничность и грациозность произведений Перуджино оказали значительное воздействие на Рафаэля Санти. В историю Перуджино вошел как наставник Рафаэля, завещавший ему свои творческие принципы.

"Автопортрет с наклоненной
головой"
Эгон Шиле, 1912
> Вена, Альбертина

Эгон Шиле – австрийский живописец и график, представитель экспрессионизма, один из самых скандальных художников Вены. Его наставником был Густав Климт, который сказал о Шиле, что в нем "даже слишком много таланта".

На протяжении всего творчества автопортрет оставался постоянным мотивом художника. Шиле создал около сотни собственных изображений. На "Автопортрете с наклоненной головой" жесткая линия и броский цвет, придают образу резкий, нервозный характер.

Шиле мало интересует внешняя физическая форма и совершенно не интересуют ни гармония, ни красота. Именно безобразное, как считал Шиле, играет роль усилителя красоты и жизни.

Многие его работы можно поместить в категорию 18+. Картины в жанре ню стали основным заработком художника – их раскупали распространители порнографии.

Художник создал около 300 картин и тысячи рисунков. О жизни Шиле написаны романы, сняты несколько художественных фильмов.

"Автопортрет в зеленом Бугатти"
Тамара де Лемпицки, 1925

Тамара де Лемпицки (псевдоним) – польская и американская художница. Ее творческий путь начался во Франции, куда она эмигрировала с мужем и дочерью. Оригинальный и смелый художественный почерк Лемпицки называли "мягким кубизмом".

Конкуренция среди художников была высока и чтобы войти в высший свет, нужно было очень постараться. Лемпицки делала это великолепно: на гонорары покупала драгоценности и меха, совершала эксцентричные поступки.

Картины оценил арт-рынок, падкий на все новенькое. Лемпицки стала модной художницей. Редактор немецкого журнала, увидев Тамару де Лемпицки, заказала ей автопортрет для обложки. Художница изобразила себя в сверкающем зеленом "Бугатти" и показала весь свой аристократический лоск.

Лемпицки дважды была замужем, имела бесчисленные романы с мужчинами и женщинами, о ней писали хвалебные статьи, заказчики выстраивались в очереди. В возрасте 30 лет Лемпицки уже заработала первый миллион.

"Под венец"
Константин Маковский, 1890
> Серпухов, Художественно-исторический музей

Полотно изображает предсвадебные сборы невесты в боярской семье 16-17 веков. Невесте расчесывают косу, в знак ее прощания с девичеством. В Древней Руси одна коса была прической девушек, а «мужние жены» носили по две косы.

У ног невесты сидит девушка, их переплетенные руки символизируют девичество и замужество. В дверях стоит мужчина с белым полотенцем, повязанным через левое плечо – это дружка, представитель жениха, принесший сундучок с его подарками. Его важнейшая обрядовая функция состояла в том, чтобы оберегать молодоженов от порчи и сглаза.

Маковский тщательно воспроизвел детали исторической обстановки, но добавил и бытовые реалии, привычные публике XIX века. Допетровский быт еще не знал ни напольного ковра, ни оконных занавесок. В богатом древнерусском доме ковры считались вещью слишком красивой и ценной, чтобы стелить их под ноги. Но самый сильный шок вызвала бы невеста в белом – цвете, принятом для смертного савана.

"Тигр"
Франц Марк, 1912
> Мюнхен, Ленбаххаус

Франц Марк – немецкий художник-экспрессионист. Вместе с Кандинским он основал художественное объединение "Синий всадник". Большая часть картин Марка посвящена животным. Художник считал, что по сравнению с человеком, они – высшие, чистые существа.

Работа "Тигр", как и все его картины зрелого периода, характеризуется яркой палитрой в сочетании с кубистическими образами.

Марк трансформирует реальный образ, "разлагает" его на элементы. Контур животного обведен зигзагами и ломанными линиями. Цветные объемы не создают контраст, а словно кристаллы, вырастают рядом. Под воздействием кубизма мастер обострял форму, сильно уплотнял ее.

Ни один искусствовед не называл его "анималистом", потому что изображение животных для художника становится попыткой посмотреть на мир глазами зверя.

В ходе Первой мировой войны, куда Марк ушел добровольно, он был смертельно ранен и скончался в 36 лет, так и не реализовав до конца свои творческие планы.

"Мультимедийная инсталляция"
Нижегородская студия dreamlaser, 2020
> Москва, Парк Горького

Шестиметровый диодный куб, на гранях которого будет транслироваться высокотехнологичное шоу. Оно посвящено истокам, богатству и разнообразию ремесел Нижегородской области. Отдельное внимание в арт-шоу уделено грядущему 800-летию. (Август 2021. Save the date!)

Цикличный показ будет все три фестивальных дня (11-13 сентября). Рекомендуем смотреть поздним вечером или ночью 🙂

Инсталляция будет установлена между 9 и 10 павильонами лектория на Пушкинской набережной Парка Горького.

Арт-объект создан специально для “Российской креативной недели”. (11-13 сентября, Парк Горького). Регистрация на сайте: https://creativityweek.ru/

"Водяной эльф"
Эрнст Юсефсон, 1882
> Стокгольм, Национальный музей

В начале 1880-х Эрнст Юсефсон несколько раз обращался к образам духов воды. Согласно скандинавскому мифу, русалки играют на скрипках, чтобы, искушая людей, заманить их в воду, где те, потеряв бдительность, утонут.

На этом полотне художник изобразил эльфа, музицирующего в лунном свете. Исполнение сопровождается звуками водопада, находящегося за спиной героя. Обнаженную фигуру юного существа окружают тонкие стебли травинок. Склонив голову и закрыв глаза, оно наслаждается мелодией, которой вторит сама природа.

Колорит полотна построен на сочетании различных приглушенных оттенков коричневого, охры, белого и зеленого, что создает мистическую атмосферу.

"Венера, выходящая из моря"
Рафаэль Пил, ок.1822
> Канзас, Музей искусств Нельсона-Эткинса

Рафаэль Пил был одним из 16 детей в семье. Его отец, Чарльз Уилсон Пил, был живописцем и основателем музея в Балтиморе. Всех сыновей он назвал в честь великих художников и сам обучал их живописи.

Рафаэль Пил предпочитал писать натюрморты, несмотря на то, что большинство его современников считали этот жанр любительским.

Полотно "Венера, выходящая из моря" сделано по принципу тромплея. Тромплей – картина-обманка. В переводе с французского означает "обман зрения". На такой картине живописец создает иллюзию реальности предметов, своего рода 3D.

Белое покрывало, закрывающее Венеру, изображено очень натурально, словно настоящее.

Таким необычным способом Рафаэль Пил стремился продемонстрировать свое мастерство художника и показать ханжество современников, которые хотят прикрыть обнаженное тело человека покровом напускной морали.

"Женщина в двух измерениях"
Казимир Малевич, 1915
> Санкт-Петербург, Русский музей

Это произведение Малевича часто называют "Красный квадрат". На обороте картины художник написал: "Женщина в двух измерениях".

Основная идея картины – главенство цвета над остальными составляющими искусства. Малевич показывает в ней свое стремление к беспредметности.

Кто-то видел в картине революционное знамя, кто-то – жар крестьянской печи или страх смерти и пустоты.

Экспонировалась работа на выставке "0,10". В каталоге она получила второе название – "Живописный реализм крестьянки в двух измерениях". Само название выставки тоже заслуживает внимания. Ноль означает отсутствие предметных форм в супрематизме. Десять означало количество художников, планировавших участвовать в выставке.

Кстати, на картине изображен вовсе не квадрат. В геометрическом смысле эта фигура больше похожа на параллелепипед. Ни одна из его сторон не параллельна другой.

"Суета сует"
Питер Буль, 1663
> Лилль, Музей изящных искусств

Питер Буль – фламандский живописец и гравёр. Он специализировался на роскошных натюрмортах и рисунках животных.

Монументальное полотно "Суета сует", размером 2х2,5 метра, относится к жанру ванитас (в буквальном переводе с латинского – "суета, тщеславие"). Этот жанр живописи представляет собой аллегорический натюрморт.

Подобные картины предназначались для напоминания о быстротечности жизни, бессмысленности удовольствий и неизбежности смерти. Все предметы в натюрморте имеют символический смысл.

Череп – напоминание о неизбежности смерти, почти обязательный атрибут натюрморта этого жанра. Драгоценности связаны с тщеславием, самовлюбленностью и смертным грехом высокомерия.

Оружие и доспехи – символ власти, которую нельзя забрать с собой в могилу. Короны, папские тиары, скипетры – знаки временного земного господства.

Натюрморт был написан с целью осуждать моральную развращённость человечества и стремиться к твёрдому моральному кодексу.