Обложка канала

История одной картины. Страница 53

62373 @pic_history
Открыть

У каждой картины есть своя уникальная история. Самые интересные из них публикуют в этом канале.

  • История одной картины

    ​А вы знаете, что потемкинские деревни - это миф? Это действительно так. В нашем канале вы каждый день будете узнавать что-то новое из истории. Например, в каком году не было лета? Какой год был самым долгим в истории? Как выглядят самые необычные границы стран? Скорее подписывайтесь на канал и сможете уже сегодня удивить друзей своими знаниями!

  • История одной картины

    Любишь дизайн, искусство, и все что с ним связано? ➡️ На нашем канале ты найдёшь много интересной и полезной информации! — Новости дизайна ✨ — Свежие тренды ⚡️ — Занимательные факты ✨ — История и становление дизайна ⚡️ — Полезные статьи в области искусства и не только! ✨ Ты сможешь найти все 👐 Присоединяйся и развивайся 😉🤩 Подписывайтесь на наш канал The Designers: об искусстве Будет интересно ! Мы обещаем:) @thedesignersss
    The Designers: об искусстве

    Все о дизайне и об искусстве: новости, тренды, интересные работы, юмор и не только:) По всем вопросам и предложениям обращаться: @liasenti , @kkkkarina1

    Telegram

  • История одной картины

    "Любовники" 1917 г. Аксели Вальдемар Галлен-Каллела Частная коллекция.

  • Реклама

  • История одной картины

    ​​Всю свою переписку Лу Саломе уничтожила, а нам оставила только высокодуховные, сухие философские размышления о любви. Название «Эротика» обманчиво. Это самая известная книга Лу, выдержавшая кучу переизданий. Но здесь не будет ничего такого, что могло бы бросить в жар. Будет много рассуждений о природе любви, о различиях между мужчинами и женщинами. Говоря о Лу Саломе, чаще всего упоминают, что по ней сходили с ума Ницше, Рильке, что она дружила с Фрейдом, что муж принудил её к союзу, вонзив себе в сердце нож — но немного промахнулся и выжил. Я сама решила читать её из-за любви к Фрейду — стало интересно ознакомиться с мыслями женщины, которую он так высоко ценил. Подробнее на биографии Лу Саломе я останавливаться не буду, но лично меня больше всего шокировала история, что в ранней юности человек, которому Лу полностью доверяла и считала своим духовным наставником, пастырь, очевидно, каким-то образом её домогался. И это в дальнейшем оставило горький отпечаток на всех её отношениях с другими мужчинами: она строго разграничивала духовную и физическую любовь и не хотела их смешивать. В норме любовь — это одновременное совпадение всех трёх компонентов. Эмоциональная, интеллектуальная и физическая близость. И эмоциональная теплота, и интеллектуальные разговоры ночами напролёт, и крутой секс. С этой точки зрения представления Лу о любви, конечно, это табуретка на двух ножках. Под любовью Лу Саломе, как это увидела я, скорее понимала интеллектуальную дружбу, коммуну: ты, да я, да наша высокая идея (а может быть и кто-то ещё, а то и толпа людей). И практически реализовывала это через коливинг без физической близости с Ницше и Паулем Рэ, а потом, фактически, со своим мужем и другими. Это всё достаточно странно выглядит даже сейчас, понятно, что в те времена Лу просто шокировала общественность. Зачем такое пространное вступление … С первых страниц «Эротики» мне казалось, что Лу не совсем понимает, о чём пишет, когда пишет о любви. Мне сложно понять её и то, как она видит любовь. Когда я изучила её биографию, всё стало на свои места. У Лу Саломе был весьма специфический личный опыт, который во многом шёл вразрез с общепринятым. Её идеи также весьма оригинальны и не у всех найдут отклик. Одна фраза меня поразила, Лу Саломе о муже и о других мужчинах пишет, что воспринимала их чувственно нейтрально. Это как? И как человек с таким сложным восприятием чувственности, пишет о любви и эротике? Конечно, у Лу Саломе не отнять ума и свободы. Она была естественна в своих желаниях и проявлениях, жила как хотела, делала что хотела, была очень независимой и передовой. Во многом она опережает даже наше время! Как про неё говорил кто-то из мужчин — бриллиант. Редкий, уникальный человек, которого достаточно трудно понять, настолько нестандартно она мыслит!

  • История одной картины

    Это одна из финальных работ в творческом наследии живописца. Она создана всего за год до его смерти. И в самом начале, и в финале своего пути художник рассуждал о порочности, глупости человека, а также о бренной жизни. На картине изображен юный злой карлик, который крадет кошелек у угрюмого монаха. Вор находится в сфере с крестом, что является символическим изображением пороков земного мира. Эта картина мастера исполнена сарказма, некоторой иронии. С первой попытки описания картины «Мизантроп» Питера Брейгеля сложно разобраться, что именно имел в виду художник, создавая данное полотно. Но когда рассматриваешь каждую изображенную деталь, приходит понимание общего посыла мастера. На картине есть надпись, гласящая: мир настолько коварный, что следую в траурных одеждах. Буквы были написаны другой рукой – вероятно, позже, но принято полагать, что суть данного текста совпадает с тем, что желал сказать нам автор. На лицо монаха, находящегося в доминантном положении, надвинут капюшон. Из-за его края видно крючковатый нос, седую бороду. Кисти рук находятся в жесте молитвы, который специально декларирует благочестивость данного персонажа. Правда, она лицемерна: сзади из-под одежд монаха выглядывает плотно набитый кошелек, подобный по форме сердцу. Вероятно, тут мастер руководствовался афоризмом из Евангелия «Где кошелек, там и сердце». Как бы монаху ни хотелось отрешения от всего мира, его нельзя достичь. Коварство демонстрирует не один лишь молодой воришка, но и три ловушки, которые размещены на дороге, по которой следует мизантроп. Двуличие этого персонажа – это намек на духовенство. На плоскости равнины вдалеке видна небольшая фигура Пастыря, его окружает стадо мирно пасущихся овечек. У самого горизонта видим излюбленный мотив этого живописца – ветряную мельницу. Угрюмость монаха контрастирует с Пастырем, который охраняет овец – тот исполнен тревоги о своих подопечных. Согласно традициям, которые идут от времен Ветхого Завета, образ пастуха символизирует Иисуса Христа. Круглая форма изображения не свойственна Брейгелю. Судя по его полотнам, которые дошли до нашего времени, он обращался к ней лишь два раза: в 1558-м при подготовке к «Фламандским пословицам», а также в «Мизантропе» 10 годами позже. Тут он вернулся к покинутой технике — работал не маслом по дереву, а темперой по холсту. Брейгель как автор очень многолик – он и средневековый моралист, и пейзажист, как данное слово понимают сегодня. Это северный художник, живопись которого отмечена влиянием Италии. Величие мастера состоит в утверждении крепкой связи человека и природы, в глубоко человечном понимании христианской истории в качестве живой реальности. #БрейгельСтарший #Возрождение @pic_history

  • История одной картины

    "Мизантроп" 1568 г. Питер Брейгель Старший Национальные музей и галереи Каподимонте, Неаполь.

  • История одной картины

    🎨 Винсент Ван Гог, Клод Моне, Иван Айвазовский. Культовыми художниками теперь можно наслаждаться в одном месте. На канале "Nothing Book" публикуют лучшие полотна из Третьяковской галереи, Лувра, Эрмитажа, а также описание и интересные факты про них. Рекомендуем подписаться на лучший канал об искусстве: t.me/Nothing_Book_tg

  • История одной картины

    "Только в природе можно найти красоту, которая является великим объектом живописи; там-то и надо ее искать и нигде более". Жан-Огюст-Доминик Энгр

  • История одной картины

    Какая русская оперная певица стала "матерью" русской матрёшки? Кто автор мультсериала, который называют "русским феноменом", переведен на 43 языка и набрал более 100 миллиардов просмотров на youtube? Кто из русских модельеров сделала популярным в Европе русский национальный стиль в женской одежде? Кому из русских в Риме был установлен бюст с надписью "Первый гуманист мира"? Знать великих русских в лицо — значит знать себя, свою историю и культуру. Подписывайтесь на канал РУССКИЕ, где каждый день вы будете видеть пассионариев (художников, изобретателей, спортсменов, писателей, предпринимателей), которые определили ход истории в прошлом и меняют мир к лучшему сегодня. Станьте частью нового времени здесь.

  • История одной картины

    "...Сокрылась, побледнев, луна. Виденье я узрел чудесно: Сошла со облаков жена, – Сошла – и жрицей очутилась Или богиней предо мной. Одежда белая струилась На ней серебряной волной..."

  • История одной картины

    В 1879 году Густав и Эрнст Климт вместе с другом и соучеником Венского художественно-ремесленного училища Францем Матчем решили организовать собственную артель, которую назвали «Компания художников». Творческое трио довольно быстро начало получать заказы (часто молодым людям в этом помогали их преподаватели), в основном это были оформительские работы. Мастерство и талант начинающих амбициозных художников не остался без внимания, и вскоре заказов стало так много, что троице пришлось даже отказаться от учебы. Качество работы от этого ничуть не пострадало, братья Климт и Матч постоянно совершенствовались в своем деле благодаря каждодневной практике. Об этом говорит тот факт, что всего лишь за четыре года «Компания художников» стала самой популярной артелью в Вене. Кроме того, они брали заказы из других городов и даже из-за границы. В 1886 году «Компания художников» выполнила заказ по оформлению лестницы нового Королевского театра в Вене. Здесь Климт и его коллеги изобразили постановку «Ромео и Джульетты» в лондонском театре «Глобус» времен Шекспира. Публика была в восторге от работы, в частности, от мастерски прописанных лиц героев (кстати, среди зрителей Климт изобразил себя самого и своих коллег в соответствующих костюмах). За такую почти фотографическую точность стоит поблагодарить преподавателей художественного училища, которые заставляли юных художников проводить долгие часы за копированием фотографий. За эту работу «Компания художников» получила приз от австрийского императора. И вскоре после этого Климт получил новый престижный заказ, снова на театральную тему: художнику предстояло изобразить публику во время представления в старом Королевском театре. Когда новость о будущем полотне распространилась среди венского высшего общества, к художнику выстроилась целая очередь из желающих, чтобы он запечатлел их на картине. По мнению искусствоведов, прежде чем взяться за полотно «Старый Королевский театр» Климт сделал около полутора тысяч эскизов. Для работы художник использовал смесь матовых красок, меда и камеди, которая является основой гуаши. Художник изобразил около 150 человек, у большинства из которых были реальные прототипы. Картину «Старый Королевский театр» вряд ли можно назвать шедевром, но она стала для Климта прекрасным рекламным ходом, принеся ему еще больше популярности и вторую императорскую награду. #ГуставКлимт #Реализм @pic_history

  • История одной картины

    "Старый Королевский театр" 1889 г. Густав Климт Музей истории искусств, Вена.

  • История одной картины

    Вам нравится читать контент на этом канале? Возможно, вы задумывались о том, чтобы купить на нем интеграцию? Следуйте 3 простым шагам, чтобы сделать это: 1) Регистрируйтесь по ссылке: https://telega.in/c/pic_history 2) Пополняйтесь удобным способом 3) Размещайте публикацию Если тематика вашего поста подойдет нашему каналу, мы с удовольствием опубликуем его.

  • История одной картины

    Групповое изнасилование. Убийство. Сокрытие преступления. Это не описание голливудского триллера, а обычный сюжет картины итальянского художника Роберто Ферри. Искусство – это не просто пейзажи и банальщина, типа Моны Лизы. И лучший способ в этом убедиться – читать канал Галерея. С ним вы легко запомните все мировые шедевры и их авторов, разбираясь картинах лучше их самих. Добро пожаловать, это ваш музей прямо в телефоне – @galleryvtg

  • История одной картины

    "Натюрморт с тарелкой вишен" 1887 г. Поль Сезанн Музей современного искусства, Лос-Анджелес.

  • Реклама

  • История одной картины

    На канале Кинотека выходят обзоры на жемчужины кинематографа, главные новинки и недооцененные шедевры, о которых никто не слышал. Автор работает в популярных редакциях, а теперь завел свой блог, где с большим трепетом и душой пишет про фильмы и сериалы, которые сам смотрит. Без спойлеров и без воды — что посмотреть и почему. Подписывайтесь на канал, чтобы знать, что смотреть: @cinema_teka

  • История одной картины

    Сцена «Жизнь», написанная в 1903 году – один из шедевров «голубого периода» Пикассо. Художник никогда не пытался дать миру чёткое представление об этой картине, которая сейчас является одной из жемчужин Музея изящных искусств в Кливленде. Однако нам известны трагические обстоятельства, которые стали «спусковым крючком» для легендарного «голубого периода». Он приходится на 1900 – 1904 годы, когда Пикассо писал по существу монохромные картины в синих и сине-зелёных оттенках, изредка разбавляя их другими цветами. Эти мрачные работы сейчас входят в число самых популярных у испанца, хотя в своё время он продавал их с трудом. Его первые годы в Париже были тяжёлыми, и эти полотна с изображениями нищих, калек, беспризорников и слепых, казалось, отражают собственную бедность живописца и неуверенность в завтрашнем дне. Предполагается, что отправной точкой для этого периода у Пикассо стало самоубийство его друга Карлоса Касагемаса, который застрелился в парижском кафе 17 февраля 1901 года. Сам художник утверждал, что начал писать синим, когда узнал о смерти коллеги. Но искусствовед Хелена Секель отмечает, что во время суицида его не было в Париже. Это драматическое событие проявилось в творчестве Пикассо лишь осенью того же года, когда он сделал несколько портретов покойного. Начиная с конца 1901 года Пикассо написал несколько посмертных портретов Касагемаса, кульминацией которых стала мрачная аллегорическая картина «Жизнь». Такое же настроение пронизывает хорошо известную гравюру «Скудная трапеза» (1904), на которой изображены слепой мужчина и зрячая женщина, измождённые, сидящие за почти пустым столом. Слепота – это постоянная тема в работах Пикассо этого периода. Кроме того, он также часто изображал обнажённых женщин и матерей с детьми. Значительное влияние на картины Пикассо «голубого периода» оказал его визит в женскую тюрьму Сен-Лазар в Париже, где монахини служили ещё и охранницами. Картина «Две сестры» (1902, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) – пример того, как художник совместил повседневную реальность с христианской иконографией. Поза и жесты женщин напоминают то, как художники изображают Посещение Марии, синий цвет символизирует Богородицу. Эта сцена соотносится с её встречей с Елизаветой, матерью Иоанна Крестителя. За «голубым периодом» последовал «розовый», когда в картинах Пикассо доминировал в основном этот тёплый цвет, однако депрессия художника не прекратилась. Она фактически продолжалась до «кубистического периода» (который следовал за «розовым»), и только в последующую полосу неоклассицизма его работы начали демонстрировать игривость, которая осталась выдающейся чертой его творчества до конца жизни. Современники Пикассо даже не делали различий между голубым и розовым периодами, считая их одним. Постоянной темой «голубого» и «розового» периодов Пикассо стала безысходность социальных аутсайдеров – заключённых, нищих, артистов цирка, бедняков или других отчаявшихся. Эта тема отвечала не только его настроению, но и духу времени, художественному и интеллектуальному авангарду начала XX века. #ПаблоПикассо #Постимпрессионизм @pic_history

  • История одной картины