История одной картины. Страница 46

"Контора в маленьком городе" 1953 г. Эдвард Хоппер Метрополитен-музей, Нью-Йорк. @pic_history

😔 Сегодня в мире происходит достаточно много негативных событий. ☝️ В такие жизненные моменты очень важно отвлекаться от негатива, на что-то доброе и светлое, что бы быть всегда в тонусе. 😉 Помочь вам с этим может Позитивный канал, с доброй и душевной атмосферой. 😊 Забавные шутки, истории и многое другое ждут вас и вашей подписки ) ➡️ Подписаться и получить позитивное настроение можно тут 👉 @orthodox_humorist

Другие критики отмечали в «Наемном пастухе» негативную оценку католической церкви, якобы обманом привлекавшую англиканскую паству. И тем не менее, даже среди современных исследователей, свободных в своих суждениях, есть те, кто игнорирует христианский смысл картины, объясняя ее стремлением художника приучить своих зрителей к трудолюбию. Сам же Хант в своей переписке вскользь упоминал, что он имел имел своей целью не только растолковать притчу Христа, но и показать современным проповедникам, что нужно заниматься своей паствой, а не вдаваться в пустые богословские споры. #УильямХолманХант #АллегорическаяСцена #Прерафаэлиты @pic_history

«Наемный Пастух»: сельская идиллия или христианская аллегория "Я есмь пастырь добрый: пастырь добрый полагает жизнь свою за овец. А наемник, не пастырь, которому овцы не свои, видит приходящего волка, и оставляет овец, и бежит; и волк расхищает овец, и разгоняет их. А наемник бежит, потому что наемник, и нерадит об овцах". (Ин. 10:11-13) Но наемник Ханта не бежит, не бросает овец на волка, он сам — волк, который губит овец, отдаваясь похоти и лени. Крестьянская одежда, фляга на поясе, сильные мускулистые руки и курчавые волосы говорят о первобытных инстинктах и грубости персонажа. Как овцы проникают в запретную для них территорию, так и пастух совершает беззаконие, бесцеремонно и нахально приблизясь к молодой женщине. Перекинув руку через ее шею, он показывает ей мертвого мотылька — символ легкости и беспечности. Поза женщины демонстрирует ее соучастие, она слегка откинулась и завела руку ближе к юноше. Однако, лицо пастушки, яркое и румяное, демонстрирует откровенную усмешку в адрес ухажера. Одета пастушка в красное длинное и широкое платье, которое прикрывает ее полностью, кроме голых ступней, почти опущенных в заросший ручей. Поверх надета просторная белая рубашка, а ярко-рыжие волосы перетянуты желтой косынкой. На коленях девушки сидит ягненок, покрытый красной шалью — символ жертвенности и невинности. Около него — откушенное зеленое яблоко и несколько яблок разбросанных на траве — явный намек на грехопадение. Яркие летние краски, слишком смелые для живописи середины XIX века, создают впечатление сочности, первозданности, почти физически передают ощущение знойного августовского дня. Каждая деталь сельской местности, цветы, трава, фрукты и даже шерсть овец прописаны с небывалой тщательностью и натуралистично, следуя основному правилу прерафаэлитов — быть максимально близкими к природе и естественной красоте. Хант писал картину «Наемный пастух» летом 1851 года, тогда же, когда и Милле творил свою «Офелию». Молодые художники отправились вниз по реке Хогсмилл, чтобы найти подходящее место для пленера. Хант искал луга, а Милле — прибрежный пейзаж. Хант написал пейзаж полностью на природе, работая по одиннадцать часов в сутки с июня по октябрь. В своей переписке он подробно описывает все сложности, сопровождавшие их живописный путь: бесконечные мухи, жара, жажда, и два гуся, регулярно портящие композицию. Прогуливаясь, единомышленники часто общались с местными жителями. Так одна из девушек — Эмма Уоткинс согласилась быть моделью для картины Ханта. Получив разрешение матери, она отправилась с художником в Лондон, где он писал ее в своей мастерской. Кто позировал для мужской фигуры — неизвестно, но исследователи предполагают, что это был профессиональный натурщик. «Наемный Пастух» Уильяма Ханта: реакция викторианского общества Когда картина впервые выставлялась в Королевской академии художеств, она была сопровождена цитатой из «Короля Лира»: Не спи, пастух, гони мечту, Твои стада во ржи. Рожок свой приложи ко рту, И путь им покажи. Несмотря на прямой нравоучительный посыл и практически евангельскую иллюстрацию на холсте, общество приняло картину крайне неблагоприятно. Людей раздражали красные, воспаленные страстью лица героев повествования, в их фигурах видели откровенный сексуальный посыл в самом низменном его виде. Критики сравнивали эту картину с «Офелией» Милле, поражаясь ее фарфоровой аристократичности и столь резкому неприятному контрасту. Именно в этот момент выходит спасительная статья Джона Рескина, восхваляющая новые веяния в искусстве, отразившиеся в мировоззрении прерафаэлитов. Это дает обществу понимание значимости работ Ханта. Забавно, что некоторые рецензенты восприняли картину, как «антиалкогольный» призыв, объясняя раскрасневшиеся разморенные лица мужчины и женщины переизбытком пива и сидра. К слову, алкоголь был одной из основных социальных проблем того времени.

"Наемный пастух" 1851 г. Уильям Холман Хант Манчестерская художественная галерея, Стретфорд. «Наемный пастух» - это художественное понимание Уильяма Ханта евангельской притчи о добром пастыре и наемном рабочем. Привычная, на первый взгляд, пасторальная сцена обретает глубокий смысл при внимательном прочтении каждой детали, изображенной на холсте. В центре композиции — молодые пастух и пастушка, отдыхающие на сочной траве около пшеничного поля. Оба они не обращают внимание на вторгшихся в пшеницу и портящих фермерский урожай овец, которым явно там не место. Позади, слева от героев, в беспорядке разбредаются овцы. Несколько ожиревших баранов безвольно лежат, очевидно переев зерен. Хант любил природу и знал особенности фермерского дела. Через приземленные бытовые детали автор обращает внимание на более глубокие и значимые вещи. Первое ощущение пасторальной любовной сцены исчезает, и зритель вынужден искать менее привлекательный, но более важный смысл картины. @pic_history

​​Разница между мной, читающей Дэвида Фостера Уоллеса, образца 2020-го, и сегодняшней, образца 2023-го, в том, что раньше мне в основном было больно и я плакала, а теперь мне дико смешно. Я рада этой перемене, потому что перечитала несколько рассказов ДФУ сейчас в переводе, которые раньше читала в оригинале, и хохотала. А пару лет назад этого хохота не было. Инвестиции в здоровую психику, кажется, начали окупаться, и я способна сейчас воспринимать и выдерживать гораздо более широкий спектр эмоций. У ДФУ отличное чувство юмора, и наконец-то я это оценила. А теперь я вас разочарую: я по прежнему не фанатею по ДФУ, отношусь к нему ровно и спокойно. Читать было интересно, забавно и увлекательно, но я не билась в фанатском экстазе ни разу. Про работу переводчиков хочется сказать отдельно. Первое: они молодцы. Второе: разницу их стилей я лично чувствовала. У одного из них более плавный текст, у другого — более обрывочный, но придраться не к чему. Ещё одна побочка работы с психикой. Я больше десятка лет не могла открыть никакой роман своего любимого Достоевского, так как его эмоции меня просто убивали сразу же. А теперь — могу. Рассказ ДФУ «Достоевский Джозефа Франка» — мой любимый в этом сборнике. И очень смешной! В целом, мне было особенно интересно читать мысли ДФУ о литературе и кино, поэтому особенно впечатлили его эссе о Линче, Апдайке, Кафке, Достоевском, о Терминаторе-2, о церемонии награждения фильмов для взрослых, о Борхесе. Ну и отдельно. Если вы пищущий человек и у вас нет времени читать весь сборник и все эссе Дэвида Фостера Уоллеса, прочтите только коротенькое эссе «Природа веселья» — о том, как сохранить первоначальный задор, вдохновение, как писать одновременно и так, чтобы кайфовать самому, и так, чтобы это нравилось публике. Но чтобы не было прогибаний под нее или отказа от себя. Очень круто для авторов!

"Художник" 1961 г. Гелий Михайлович Коржев Государственная Третьяковская галерея. 👀 Смотреть в высоком качестве @pic_history

Хотите расскажу? Хотите расскажу - это канал с удивительными историями от Серафимы. Она дочь священника, историк и автор интересных смыслов и историй Очень просто и увлекательно, читая канал Серафимы ты: 📗Узнаешь исторические факты 😀Посмеёшься и прочувствуешь самоиронию ⌛️Увидишь повторение судеб сквозь десятки и сотни лет. Подписывайся и читай: -как ее знакомая совсем недавно стала врачом в 50; 🩺👩🏼‍⚕️ - а Екатерина II не имея ни капли русской крови, правила дольше всех в России 👑

Одним из самых ярких певцов любви был художник Марк Шагал, ничего важнее любви для него не существовало. Нежной музой и верной подругой для художника стала Белла Розенфельд, дочь известного витебского ювелира. Романтическая история началась в Петербурге, где они познакомились и уже через год решили обвенчаться. Но, как это иногда случается, накануне свадьбы жених по неизвестным причинам внезапно уезжает в Париж и остается там на 4 года, занимаясь своей карьерой. Во Франции Шагал участвует в выставках Осеннего салона, Салона Независимых, а в 1914 при содействии Гийома Аполлинера открывается его первая персональная выставка в берлинской галерее «Дер штурм». Все это время влюбленные переписываются, а когда Шагал возвращается в Россию в 1915 году, наконец, сочетаются законным браком. Вскоре после свадьбы Шагал, открывая свои чувства, напишет в письме: И погасили мы Луну, И свечек пламя заструилось, И лишь к тебе моя Любовь стремилась, Избрав тебя одну… Как раз во время разлуки Шагал написал картину «Обрученные и Эйфелева башня». На картине он изобразил свою невесту Беллу, себя и свой первый полет, который будет длиться много лет. Как удачно Шагалу удалось передать то чувство парения и невесомости, которые охватывает всех влюбленных! «Для меня значение имеет только любовь, и я имею дело только с теми вещами, которые крутятся вокруг нее» — Марк Шагал Картины художников вдохновляют на новые признания и открытие своих чувств. У любви много языков, а любовь — одна для всех. Безмятежность, счастье от близости любимого человека дарит весеннее настроение и, хотя сирень появится не скоро, праздник любви может длиться бесконечно, о чем нам и рассказывали все художники — каждый на свой лад. С праздником Влюбленных вас! #МаркШагал @pic_history

"Обрученные и Эйфелева башня" 1913 г. Марк Захарович Шагал Национальный музей Марка Шагала, Ницца. @pic_history

А кто-то сейчас скажет, что на самом деле нам не хватает ушедших брендов одежды, и они будут правы, но если бы все знали о таком сервисе BRANDER, подобных вопросов уже стало бы меньше)) Это услуга быстрой доставки любимой одежды с любых иностранных сайтов по цене ниже, чем они были в России. А чтобы быть в курсе всех распродаж — подписывайтесь на канал. Попытки заменить любимые бренды не нужны, пока есть BRANDER. Теперь вы в курсе!

"Венера и Марс" Автор - ? 👀 Смотреть в высоком качестве @pic_history

"Поцелуй" 1859 г. Франческо Айец Пинакотека Брера, Милан. 👀 Смотреть в высоком качестве @pic_history

Где, как и почему жить в Москве – читайте на новом канале.

Картины Питера де Хоха характеризуются атмосферой спокойствия, простора и лёгкости. Этот эффект достигается благодаря сложным перспективам, сочетанию цветов и виртуозным экспериментам со светом. Всё это также существенные элементы творчества Яна Вермеера, с которым де Хох был знаком. «Игроки в карты в солнечной комнате» относится именно к тому важнейшему моменту истории, когда оба художника работали в Дельфте, развивая свой особый стиль. Долгое время предполагалось, что более утончённый Ян Вермеер влиял на Питера де Хоха, чьи мазки часто называли «неэлегантными», а человеческие фигуры сравнивали с деревянными куклами. Но датированные работы вроде «Игроков в карты» свидетельствуют, что именно де Хох вырвался вперёд и вёл за собой коллегу. Несомненно, с «переоткрытием» Вермеера в 1860-х годах репутация де Хоха окрепла, но к тому времени его произведения сами по себе пользовались спросом и популярностью. Например, в 1819 году в описи Карлтон-хауса – резиденции будущего короля Георга IV – значились две атрибутированные и дорогостоящие картины де Хоха. Это «Двор в Дельфте вечером. Пряха», оценённая в 400 гиней, а также «Игроки в карты в солнечной комнате» стоимостью в 700 гиней. Оба полотна сейчас входят в Королевское собрание и висят в Букингемском дворце. В «Игроках в карты» де Хох практически превращает интерьер в пейзаж, экспериментируя с углом падения солнечных лучей (покрытый плиткой пол выписан почти как вечернее небо) и игрой света на различных поверхностях. Как часто бывает в ландшафтах, человеческие фигуры тут довольно вторичны. Они относительно невелики, двое мужчин повёрнуты к зрителям спиной, словно мы случайно подсматриваем за ходом игры. Картёжника в чёрном и его стул вообще можно читать как сложное препятствие необходимое для обозначения направления света. Таким образом, акцент перемещается с людей на внутреннее пространство. Сцена, предположительно, разворачивается на постоялом дворе. Герои курят, играют в карты и пьют, в то время как служанка несёт им через двор новую порцию вина в кувшине. Два человека справа, скорее всего, шулера: стоящий подглядывает в карты женщины, а его напарник самодовольно усмехается, выкидывая туза. В отличие от современников, Питер де Хох не наполнял свои композиции тайными кодами. Смыслы в его произведениях обычно напрямую связаны с изображёнными предметами. Иногда художник прибегал к приёму «картина в картине» для расширения повествования. Но в данном случае ландшафт на стене лишь подтверждает записи о том, что тогда в Голландии живописными работами украшали даже самые скромно обставленные помещения. #ПитерДеХох #Барокко @pic_history

"Игроки в карты в солнечной комнате" 1658 г. Питер де Хох Королевское художественное собрание. @pic_history

Часто, окончив в детстве музыкальную школу, мы больше не подходим к пианино, потому что не любим классику или преподаватели отбили всякое желание играть ее. На самом деле играть можно абсолютно разную музыку: поп, рок, джаз, блюз, латино, кантри в конце-концов! И делать это без нот, импровизировать и круто зажигать для друзей на вечеринках 🔥 Подписывайтесь на канал Юлии Шишкиной🎶 Там она делится полезными музыкальными лайфхаками и рассказывает как играть в разных стилях и вернуться к фортепиано даже во взрослом возрасте. Спойлер: с ней начинают играть даже те, кому давно за 50 😎

С 13 по 19 февраля ЦСИ М'АРС вновь станет самым романтическим арт-пространством столицы❤️ На М'АРСе пройдёт тематическая НЕДЕЛЯ ЛЮБВИ – фестиваль событий для всех влюблённых, любящих и ищущих свою любовь!