«Терапевт» 1937г. Рене Магритт.
Художник изобразил своего «терапевта» в образе некоего странника в широкополой шляпе, с палкой и заплечным мешком, сидящего на краю морского утеса.
Как и у многих других магриттовских героев, у него нет лица, но он широко распахивает свой плащ, как будто на минуту позволяя зрителю заглянуть в свою душу, приоткрывает завесу собственной тайны.
Под плащом скрыта клетка с двумя белыми голубями, причем одна птица находится внутри, а вторая – снаружи. Создается впечатление, что свободный голубь пытается пообщаться со своим заключенным в клетку собратом, поддержать его, помочь выйти на свободу.
Так же, как и терапевт, помогающий своим клиентам покинуть пределы мрачного и одинокого места, которое находится внутри них. Удивительным образом Магритту удалось очень тонко изобразить принцип их работы.
Энди Уорхол был не только художником.
Он активно снимал кино: правда, так и не снискавшее благодарного зрителя. Самый первый свой фильм он посвятил спящему другу. Его он так и назвал: «Сон», и снимал о том, как спит его друг. Это были шесть часов непрерывной съемки. На премьере побывали 9 человек. Никто так и не досмотрел картину до конца: через час после начала фильма зал оказался полностью пуст.
Уорхол создал около 60 фильмов, таких как: «Поцелуй», «Еда», «Плечо», «Кушетка», «Кухня», «Лицо», «Лошадь», «Самоубийство», «Закат», «Bitch», «Blowjob» и т. д.
Фрукты или их муляжи Поля Сезанна.
Сезанн был известен своим перфекционизмом: на натюрморты он порой тратил вплоть до ста дней.
Его друг, художник Эмиль Бернар, рассказывал, что Сезанн иногда делал один-единственный мазок, после чего вставал, принимался бродить по комнате, выходил в сад на полчаса, затем возвращался — и делал следующий.
Скорее всего, он не мог использовать живые фрукты: они бы неминуемо испортились. Сезанна не интересовала «живость» как таковая, ему не была важна фактура фрукта — сочная мякоть груши или шершавая поверхность персика, эту живость он находил в другом. Окружающий мир для него был прежде всего миром форм — стабильных и незыблемых; в пересказе Бернара самое знаменитое сезанновское высказывание, звучит так:
«Трактуйте природу посредством цилиндра, шара, конуса».
Поэтому его устраивали бутафорские фрукты и овощи, кочующие из одного полотна в другое.
Как отмечали современные критики, даже головы на портретах он писал так, как будто это были яблоки, а точнее, их муляжи.
Венера Виллендорфская
Статуэтка высотой 11 см вырезана из оолитового известняка и подкрашена красной охрой.
Фигура женщины выполнена в реалистическом стиле. Её грудь, живот и бёдра имеют большие округлые формы. Чётко выраженные линии подчёркивают пупок, половые органы и руки, сложенные на груди. На голове видны хорошо вырезанные волосы или головной убор; черты лица при этом полностью отсутствуют.
По данным 2015 года, возраст статуэтки насчитывает 29 500 лет. Почти ничего не известно ни о месте, ни о методе изготовления, ни о культурном назначении данной статуэтки.
Некоторые специалисты отождествляют её с Матерью-Землёй — богиней плодородия.
На 2005 год стоимость статуэтки оценивалась в 60 млн долларов.
«Фокусник» Иероним Босх.
Сюжетом картины художник выбрал древнее занятие мошенников — фокус с наперстками.
В то время, как все присутствующее устремили взгляды на фокусника —стоящий рядом человек в монашеской одежде, прикидывающийся слепым, запустил руку в карман «поглотителя лягушек» и пытается вытянуть оттуда кошелёк.
Вероятно, это сообщник фокусника и всё представление рассчитано на то, чтобы усыпить бдительность публики и воспользоваться её доверчивой рассеянностью.
Фокусник зажимает в пальцах миниатюрный шарик, на столе видны еще несколько шариков и напёрстки. Из прикреплённой к поясу фокусника корзинки выглядывает голова совы – привычной для Босха аллегории зла и дьявольских козней.
Лягушки (одна сидит на столе, другая – виднеется во рту у «жертвы» фокусника) тоже рассматривается как символ порока.Одежда фокусника наводит на аналогию с красной мантией папских кардиналов, а стол с предметами для фокусов — церковный алтарь.
Палитра Клода Моне.
Моне обращался с красками также свободно, как и пианист с клавишами пианино. Работая над картиной, он не отрывал от нее взгляда, ему не требовалось смотреть на палитру, чтобы найти нужную краску. Его палитра все время менялась.
Начиная с 1860 года, Моне избегал черных красок, его палитра состояла только из чистых светлых цветов.
Отвечая на вопросы, он говорил: «… Самое важное, это знать, как использовать краски. Выбор красок – всего лишь дело привычки. Я использую свинцовые белила, кадмий желтый, вермильон (оттенок красного цвета), крапп (ярко красная), кобальт синий, окись хрома, и все.»
Детальное изучение техники Моне, показывает, что краски, часто, использовались прямо из тюбиков, или смешивались непосредственно на холсте.
Также, Моне прибегал к технике лессировки (работа полупрозрачными красками), чтобы добиться эффекта прозрачности, и свечения.
Яйца Фаберже.
Эти ювелирные изделия уже столетие продолжают удивлять своей завораживающей красотой и считаются одним из символов России и мастерства ее ювелиров.
В 1885 году царь Александр III поручил ювелиру Петеру Карлу Фаберже изготовить подарок к Пасхе для царицы. Фаберже создал это золотое яйцо, покрыв его белой эмалью. Внутри открывающегося подарка был "желток" из матового золота, под которым была скрыта золотая курица с рубиновыми глазами.
Царица была в восторге от подарка, а Фаберже вскоре стал ювелиром при дворе российского императора.
Тетрадь научных записей Да Винчи «Лестерский кодекс» считается самой дорогой книгой в мире. В 1994 году ее купил Билл Гейтс, за $30,8 млн.
Манускрипт состоит из 18 листов бумаги, исписанных с обеих сторон и образующих 72-страничную тетрадь.
Заметки Леонардо написаны его собственным зеркальным письмом — прочитать их можно только при помощи зеркала.
Записи посвящены различным явлениям, о природе которых размышлял Леонардо: почему светится Луна, как и почему течёт вода в реках, откуда берутся окаменелости, из чего состоят минералы и так далее.
«Качели» 1767 г. Жан Оноре Фрагонар.
Один из богатейших финансистов захотел порадовать свою любовницу. Он пригласил художника Габриеля Дуайена и обрисовал идею: «Хочу, чтобы вы изобразили мадам на качелях, которые раскачивает епископ. Ну, а меня разместите на холсте так, чтобы я мог лицезреть ножки этого очаровательного создания!»
Дуайен оцепенел от непристойности предложения. Рисовать содержанку?! Он хотел оскорблённо уйти, но его осенило: можно переадресовать заказ Фрагонару, тем самым унизить самолюбие конкурента. Однако все получилось наоборот.
На фоне густой растительности парит на качелях красавица. Некто, возможно, слуга или даже муж кокетки тянет за верёвку, раскачивая качели, а с другой стороны, за кустом притаился её любовник.
Пикантность ситуации не только в том, что он наблюдает изящные ножки в белых чулках, но и в том, что раскачивающий качели о присутствии рядом соперника даже не догадывается.
Исходя из расстановки действующих лиц, картину стали называть «Счастливые возможности качелей».
«Большая волна в Канагаве» 1832 г. Кацусика Хокусай.
В центре сюжета, на переднем плане, изображена огромная волна нависшая над лодкой с рыбаками; в центре заднего плана расположена гора Фудзияма.
В японском искусстве движение в картине идет справа налево. Соответственно, рыбачьи лодки являют собой активное начало, они двигаются и внедряются в волну, в податливое аморфное начало, а некоторые уже прошли ее насквозь.
Картинка является визуальной репрезентацией буддийской картины мира – мира как колеса дхармы*, вечно изменчивой подвижной стихии. Человек в такой картине мира оказывается не швыряемой щепкой, умирающей от страха и отчаяния, а естественным элементом непостоянства природы.
Рыбаки, держась за борта лодки, почтительно кланяются мощи стихии; они как бы поддаются, склоняясь и замирая в бездействии, но на деле они просто стараются вписаться в ситуацию и выйти победителями. То есть налицо картина гармоничных и подвижно-гибких взаимоотношений.
*Колесо дхармы- символ пути к просветлению.
Уборщица несколькими движениями уничтожила произведение искусства «Когда начинает капать с потолка» Мартина Киппенбергера....она помыла таз, входивший в состав инсталляции.
Эта работа представляла собой двухметровую конструкцию из деревянных дощечек, под которой стоял таз с патиной: так автор изобразил осадок, оставшийся после того, как высохла капающая сверху вода.
Несмотря на правило, запрещающее техническому персоналу подходить к музейным экспонатам ближе чем на 20 см, добросовестная уборщица взяла тряпку и как следует оттерла грязные разводы. Композиция, застрахованная на €800 000, погибла безвозвратно.
«Неравный брак» 1862 г. Василий Пукирев.Сюжет картины: Церковь. Юная, печальная невеста обреченно протягивает руку, на которую склоненный в льстивом поклоне священник сейчас наденет кольцо, и отдаст ее во власть старого богатого жениха.
Невеста кажется ребенком, который едва-едва начал превращаться в девушку. Весь ее облик написан округлыми, мягкими линиями.
Жених, напротив, кажется, весь состоит из углов и прямых линий, символизирует собой увядание, омертвение, атмосферу, в которой предстоит увянуть и девичьей прелести невесты.
Гости со стороны жениха надменно рассматривают девушку, а кто-то вовсе не обращает внимание на происходящее.
Слева от жениха можно увидеть двух старух в венчальных нарядах. Художник умышленно изобразил их тусклыми тонами так как это покойные жены старика. Они пристально смотрят на жениха не то с преданностью, не то с укором.
Статный, мрачный молодой красавец со скрещенными руками за спиной невесты может показаться ее возлюбленным, но это сам художник.
Руки «Венеры Милосской»
Статуя «Венера Милосская» появилась в 130-100 годах до н.э и была выявлена только в 19 веке на просторах острова Милос. Тогда у нее были руки, в одной из которых она удерживала яблоко, а второй придерживала спадающую одежду. Французские офицеры во время транспортировки статуи с острова случайно откололи ей руки во время потасовки и категорически отказались их искать.
Но это не единственное, что потеряла скульптура. Когда-то она была украшена ювелирными изделиями: браслетами, серьгами, тиарой. Они пропали очень давно, но в мраморе остались отверстия для креплений.
«Купание красного коня» 1912 г. Кузьма Петров-Водкин.
Существует несколько трактовок сути картины:
1. Предвестник грядущего революционного хаоса, ведь впереди был 1917 год, Гражданская война и далее по списку. Цвета лошадей и их положение на картине характеризуют политические течения в обществе.
2. Символ только начавшейся празднично-молодой жизни юноши, изображенного на картине.
Картина передает ощущение не вполне ясных, но обнадеживающих предстоящих очистительных перемен. Набатный красный цвет звучит энергично, как призыв к новой жизни.
Эта картина была запрещена во всех странах мира. Нас попросили скрыть её содержимое, но мы поступили иначе.
В канале Ценитель Искусства никакая цензура неуместна.
Говорим о настоящем искусстве, по-настоящему
Плачущая женщина - Пабло Пикассо. 1937г.
Картина продолжает антивоенную тему, которую художник начал в своей работе «Герника». Пикассо много месяцев создавал серию изображений плачущих женщин, прототипом которых стала одна из фигур в «Гернике». Моделью для всей серии «Плачущих женщин» стала Дора Маар.
Однако удивительно, насколько сильно удалось автору сопереживать самому и заставить почувствовать то же самое зрителя, используя столь яркую, буквально кислотную палитру. С первого взгляда горе женщины трогает до глубины души. Наблюдатель пытается понять, что произошло с героиней картины, чему посвящены ее слезы отчаяния. А это именно отчаяние – об этом кричат ее слезы.
Наиболее очевидное значение «Плачущей женщины» довольно простое, принимая во внимание продолжающуюся гражданскую войну в Испании. Строго одетая, как на похороны, она выражает душераздирающее горе, которое испытывают матери, сестры и другие близкие после смерти любимого – особенно во время войны.
«Портрет художника М. В. Матюшина» 1913г. Казимир Малевич
Портрет Малевич составил из разных геометрических плоскостей, что на первый взгляд роднит его со стилем кубистических произведений Пикассо. Но есть и существенное отличие: основоположники кубизма писали в основном в монохромной технике, тогда как Малевич активно использует богатую цветовую гамму.
Еще одна особенность картины: при всей абстрактности на полотне разбросаны реалистические детали. Так, например, часть лба с волосами, расчесанными на прямой пробор, точно повторяет прическу Матюшина, по свидетельству знавших его людей. Это, пожалуй, единственная деталь, указывающая на то, что перед нами портрет. Матюшин был не только художником, но и композитором, поэтому нетрудно догадаться, что линия белых прямоугольников, разделяющая картину по диагонали, является клавиатурой фортепиано.