Искусство. Страница 2

"Афиши в Трувиле"
Рауль Дюфи, 1906
> Париж, Национальный музей современного искусства

В 1906 году, после прошедшей в Париже знаменитой выставки фовистов, Дюфи (в компании с Альбером Марке) отправился в Трувиль. Молодой художник был поражен открывшимися ему возможностями живописи. Картины, написанные им в Трувиле, несут на себе несомненный отпечаток его впечатления от работ фовистов. Дюфи, правда, никогда не был строгим последователем фовизма, но «Афиши в Трувиле» – безусловно, лучшее, что создано им в этой манере.

Впрочем, и здесь он отступает от канонов фовизма – цвета хоть и ярки, но не агрессивны, контуры фигур и предметов обозначены очень четко. Кроме того, рисунок и перспективу Дюфи можно назвать почти безупречными, а фовисты относились к этим элементам довольно небрежно. Восхищение Дюфи уличными афишами в чем-то предвещает американский поп-арт 1960-х годов. Используя визуальную мощь цвета, Дюфи сумел превратить вульгарные афиши в настоящее произведение искусства.

"Майский сад"
Мария Оки Девинг, 1895
> Вашингтон, Смитсоновский музей

Мария Оки Дьюинг – американская художница, жена художника Томаса Дьюинга, изобрела жанр натюрморта на открытом воздухе, часто выполняла фоны на картинах мужа.

Девинг писала цветы в естественной среде, создавая у зрителя ощущение реального присутствия в зарослях домашнего парка.

"Майский сад" – одно из самых знаменитых полотен художницы. Композиция проникнута поэтическими чувствами и лиризмом. В этих простых на первый взгляд розах и гвоздиках, погруженных в зеленую листву, Девинг открыла поразительное богатство тончайших красочных оттенков.

Цветы расположены непринужденно и свободно. Бутоны намечены легкими мазками кисти, что придает изображению возвышенность и свежесть.

Девинг словно создавала "портреты" растений. Она наделяла цветы одухотворенностью и считала, что их красота более абстрактная и глубокая, чем человеческая.

"Арлекин и дама"
Константин Сомов, 1912
> Москва, Третьяковская галерея

Работа «Арлекин и дама» написана в жанре галантной сцены. Она всегда изображает непринуждённое общение двух или нескольких лиц. Это может быть беседа, флирт, игра, прогулка, танец. Герои картин, как и природа, на фоне которой разворачивается неспешное действие, всегда красивы и гармоничны (с точки зрения заказчиков «галантных сцен» – аристократов).

У героев картин, как правило, нет реальных прототипов: это не портреты конкретных лиц, а всего лишь привлекательные статисты «галантного празднества». У галантной сцены нет и конкретного сюжета, то есть действия в его развитии. Основной принцип мастеров галантной сцены – изображение идеально-красивых людей в обстановке безмятежного и абсолютного счастья. Даже тревога или лёгкое неудовольствие в галантных сценах выглядят наигранными и ненастоящими.

"Горный пейзаж с водопадом в Смоланде"
Маркус Ларсон, 1859
> Стокгольм, Национальный музей

Современники называли пейзажиста Маркуса Ларсона «наиболее выдающимся из шведских художников Дюссельдорфа». Он был выходцем из сельской местности, после смерти отца переехал в Стокгольм.
Ларсон много путешествовал, посетил Германию, Францию, Англию, Финляндию, Россию в поисках красивых видов, принимал участие в выставках.

«Горный пейзаж с водопадом в Смоланде» был создан во время поездки по названной шведской провинции. Темные густые облака заволокли все небо. С высоких скал с грохотом низвергается водопад. Романтический скалистый вид поражает неистовым буйством природы, ее мощью и первобытной силой.

Подобные сюжеты с разыгравшейся стихией довольно часты в произведениях автора. Известно, что большинство своих картин Ларсон писал не с натуры, а в мастерской, используя зарисовки и фотографические снимки.

"Порыв ветра"
Жан-Батист Камиль Коро, 1860-1870
> Москва, Пушкинский музей

Камиль Коро вошел в историю французской живописи как создатель «пейзажа настроения». В картине «Порыв ветра» с ее мрачным небом, несущимися темными тучами, сбитыми в одну сторону ветвями деревьев и зловещим оранжево-желтым закатом все пронизано ощущением беспокойства. Женская фигура, прорывающаяся навстречу ветру, олицетворяет восходящую к традициям романтизма тему противостояния человека природной стихии.

Тончайшие переходы оттенков коричневатого, темно-серого и темно-зеленого цветов, их плавные переливы образуют единый эмоциональный цветовой аккорд, передающий грозовую бурю. Изменчивость освещения усиливает настроение тревоги в воплощенном художником пейзажном мотиве.

"Портрет Эдварда Мунка"
Аксели Галлен-Каллела, 1895
> Хельсинки, Атенеум

Аксели Галлен-Каллела – финский художник шведского происхождения. В декабре 1894 переехал в Берлин, чтобы участвовать в выставке вместе с норвежцем Эдвардом Мунком. Именно тогда финский художник познакомился с символизмом, творческим течением, в котором он нашел свою струю.

Перед зрителем – достаточно классический по палитре портрет. Он выдержан в теплых тонах коричневого, с небольшим белым акцентом и новаторским зеленым отблеском на галстуке модели. Однако жанрово это, скорее, этюд, зарисовка. Лица почти не видно, никак не выявлены выражение и взгляд. Мунк погружен в раздумье, он не обращает внимания на происходящее вокруг.

"Ваза с красными маками"
Винсент ван Гог, 1886
> Хартфорд, Уодсворт Атенеум

Это одна из первых работ парижского периода Ван Гога. На ней изображен букет крупных красных маков в белой вазе. Преобладание темной гаммы на фоне и багрово-коричневая скатерть демонстрируют приверженность Ван Гога к привычной для него технике.

Маки словно застилают собой все пространство картины. За счет обрамления диагональными и дуговыми размашистыми мазками букет приобретает объемность и словно тянется навстречу к притягивающемуся взору зрителя.

Белоснежность вазы подчеркивает нежность светло-зеленых, еще не распустившихся бутонов. Гармоничность цветовой гаммы характеризует картину, как оптимистичное и жизнерадостное произведение.

"Собаки и сорока"
Джон Вуттон, 1740-е
> Санкт-Петербург, Эрмитаж

Английский художник Вуттон был одним из основоположников характерного для Британии спортивного жанра, включавшего в себя изображения охотничьих собак, породистых лошадей, сцен охоты и спортивных состязаний.

На красочном полотне представлено восемь гончих псов, в нетерпении ждущих сигнала к охоте. Каждое животное наделено своим характером и особенностями окраски. Вуттон с любовью прописывает гладкую, переливающуюся шерстку. Нахохлившаяся черно-белая сорока – хищная птица, беспокойный стрекот которой предупреждает о незваных гостях в лесу.

Картины со сценками охоты были чрезвычайно популярны в Англии и заказывались состоятельными аристократами для украшения своих поместьев.

"Даларнийские девушки в бане"
Андерс Цорн, 1906

Даларна – название провинции, где родился художник. Каждую весну и лето он проводил здесь в усадьбе Цорнгорден, которую начал обустраивать в 1888 году, перевезя на приобретенный участок земли в Муре старый дом своего деда. Тут он встретил и свой последний закат – редчайший случай, когда в биографии художника совпадает место рождения и смерти.

Цорн ценил простую, не отличавшуюся особой изысканностью или утонченностью красоту местных женщин. Само собой, это находило отражение в его творчестве. В конце 80-х Цорн начинает усердно практиковаться в жанре, который прославит его не меньше портретов: ню на открытом воздухе. Его внимание захватывает природная красота пышущих здоровьем тел.

Эта картина выбивается из общего ряда тем, что водные процедуры осуществляются в закрытом помещении и страстной, буквально огненной палитрой. Для многих работ художник намеренно ограничивал выбор цветов, предпочитая желтую охру, кадмий красный средний, черную слоновую кость и белый.

"Тереза Вандони, итальянская певица в Королевской опере в Стокгольме"
Карл Фредерик фон Бреда, 1797
> Стокгольм, Национальный музей

Работы Фон Бреды обнаруживают влияние представителей английской школы живописи, в частности Рейнольдса и Томаса Гейнсборо. Подобно им, художник часто изображал своих моделей на открытом воздухе, в пейзаже, пронизанном солнечным светом.

На портрете молодая красивая актриса стоит на фоне ландшафта в окрестностях шведской столицы. Она одета в платье, соответствующее последней моде. Одной рукой дива держит маленькую пушистую собачку, другой – венок из роз. На дальнем плане среди кустов и деревьев виднеются фермерские постройки.

В целом это произведение отражает новейшие тенденции своего времени – интерес к природе и классическим древностям, выразившийся в фасоне платья. В 1798 данный портрет был показан на выставке в академии и хорошо принят публикой.

"Царевна Софья Алексеевна через год после заключения ее в Новодевичьем монастыре, во время казни стрельцов и пытки всей ее прислуги в 1698 году"
Илья Репин, 1879
> Москва, Третьяковская галерея

Репин изобразил царевну, одетую в белое парчовое платье. Мы видим сильную женщину, взгляд которой полон злобы и ненависти, а в позе – независимость и царское достоинство. Девочка в монашеской одежде, сидящая в углу, смотрит на царевну с испугом. За окном видна церковь и виселица с повещенным стрельцом.

В дате, входящей в название картины, Репин допустил неточность. Царевна Софья была заточена в Новодевичий монастырь 6 сентября 1689. На следующий день, 7 сентября, издан указ об исключении царевны Софьи из "Титула", таким образом, она официально перестала быть правительницей.

Через год после ее заточения, то есть в 1690, раскрыт заговор сторонников Софьи против Петра. Именно тогда последовала расправа и казнь её сторонников. По приказу Петра перед окнами кельи Софьи было повешено 195 стрельцов.

"Норман Роквелл в гостях у редактора"
Норман Роквелл, 1946

Американская иллюстрация занимает особое место в контексте американского искусства. До того, как телевидение вошло в американский дом, газеты и журналы были основными источниками новостей для нации.

Они также были барометром общественного мнения, и, естественно, художники, которые иллюстрировали эти периодические издания, оказали большое влияние на восприятие своей нации.

Норман Роквелл сделал больше, чем просто выполнил свои поручения; скорее он понимал свое выгодное положение и прикладывал все усилия к своей работе.

"Сборы на гулянье"
Василий Максимов, 1869
> Алматы, Музей искусств им. А.Кастеева

Максимов близко знал крестьянскую жизнь и был ее верным летописцем. В нем находили отклик и радость, и горе народа, причем и в том, и в другом случае он умел удержаться от сусальной фальши и слезливой сентиментальности. К лучшим работам Максимова принадлежит написанная в 1869 году картина, которую сам художник называл «Сборы на гулянье».

На ней изображены две девицы, наряжающиеся, перед тем как отправиться в хоровод. Третья молодая женщина, размещенная в глубине полотна, имеет иной социальный статус: она жена и мать, время девических забав для нее безвозвратно прошло. Задумчиво глядит она за окно, где уже вступило в свои права вечернее деревенское веселье, а губы ее чуть шевелятся, напевая колыбельную ребенку.

"Похищение Персефоны"
Алессандро Аллори ,1570
> Лос-Анджелес, Гетти

На картине мифологической тематики живописец Аллори воплотил широко распространенный в изобразительном искусстве периода позднего Возрождения и маньеризма сюжет о похищении Персефоны владыкой подземного царства Аидом.

Культ богини плодородия и властительницы царства мертвых Персефоны относится к глубокой древности и коренится в земледельческом характере народного быта. К этой же отдаленной эпохе относится представление о Персефоне как о подземной богине, особо почитавшейся в местностях древней Греции, которые изобиловали глубокими ущельями и пропастями.

"Пия де Толомеи"
Данте Габриэль Россетти, 1868
> Лоуренс, Музей искусств Спенсера

Картина была написана во время начала длительного романа художника с натурщицей Джейн Моррис, женой художника Уильяма Морриса. В качестве сюжета был выбран мотив из Чистилища «Божественной комедии» Данте Алигьери.

Пия де Толомеи – женщина, отправленная в заточение и отравленная своим мужем. Россетти хотел показать, что Уильям Моррис таким же образом держал в плену свою жену. То же самое он отразил и в более поздней работе «Прозерпина». В течение жизни Россетти изобразил Джейн в образах Прозерпины, Гвиневры и Дездемоны – женщин, находившихся во власти своих мужей.

Как и на большинстве картин Россетти с Джейн Моррис, она изображена в искажённых увеличенных пропорциях. В частности, у Пии де Толомеи намеренно увеличена шея. Также художник изменил естественный, тёмно каштановый цвет волос модели на рыжий, такой же, как у погибшей жены художника Элизабет Сиддал.

"Жанна Кефер"
Фернан Кнопф, 1885
> Лос-Анджелес, Гетти

Картина, написанна бельгийским художником-символистом. Жанна Кефер была дочерью Мелани Антуанетты ван ден Брук и Гюстава Кефера – пианиста и дирижёра, с которым Фернана Кнопфа связывали дружеские отношения.

Рентгенограмма картины, проведённая в музее Гетти, показала, что на изначальном варианте картины Жанна Кефер держала в своей левой руке букетик белых цветов (или один большой цветок). В окончательной версии Фернан Кнопф отказался от этой детали.

Жанна Кефер изображена стоящей на крыльце у закрытой двери. Она смотрит прямо на зрителя. Её маленький рост (по сравнению с дверью) символизирует беззащитность ребёнка по отношению к внешнему миру. Это подчёркивается композицией картины – в частности, наклоном линии дверей относительно нижнего края холста.

"Обезглавливание Иоанна Крестителя"
Микеланджело Карваджо, 1608
> Валлетта, Собор Святого Иоанна

Перед вами – единственная известная на данный момент картина с подписью художника. На ней изображена казнь Иоанна Крестителя в присутствии Саломеи, приготовившей для его головы золотое блюдо.

Стоящая рядом женщина, идентифицируемая как Иродиада или просто случайная свидетельница, с ужасом наблюдает, как надзиратель приказывает палачу довершить казнь отсечением головы Иоанна кинжалом. В правом углу картины изображены двое заключенных, которые предпринимают все возможное, чтобы увидеть происходящее на улице.

Как и прочие работы позднего творчества Караваджо, картина характерна минимумом деталей и реквизита. Размеры полотна позволили изобразить персонажей примерно в натуральную величину, несмотря на то, что значительная часть картины представляет собой пустое пространство.

Художник никогда не делал эскизов, а закатывал холсты в шедевры наскоком, не забывая вписывать в собственные картины автопортреты.

"Русский XX век I"
Эрик Булатов, 1990 год

Эрик Булатов – один из главных русских художников второй половины ХХ века и создателей постмодернистского стиля соц-арт («социалистического» варианта поп-арта).

Булатов сталкивает в пространстве одной картины крайние противоположности: безмятежность и тревогу, полную свободу и тюремную решетку, реалистическую живопись и советский плакат.

Картины из цикла "Русский ХХ век" изображают идиллический русский пейзаж, над которым угрожающе нависает графичная римская цифра ХХ. В этой картине на фоне страшного красного неба символ века превращается в лучи прожектора – то ли тюремного, то ли кинематографического. Вода в реке тоже кровавого цвета – идиома, которой соответствует образ, не требует разъяснений.

Пейзаж – воплощенное спокойствие русской жизни, перечеркнутой ХХ столетием: возвышается старинная церковь, вокруг – невысокие дома и избенки, на заднем плане извивается река. ХХ век вторгается бесцеремонно и символично.