Спасибо всем, кто проходит опрос! В нём уже есть несколько неочевидных для меня инсайтов – например то, что практически всем ответившим интересно читать про придумывание клипов и продакшн. Раньше, когда я писала на эти темы, ловила синдром самозванца, но кажется, сейчас уже действительно есть достаточно опыта, чтобы поделиться некоторыми соображениями. Итак, поехали! Тема сегодняшнего поста: должен ли автор понимать свой замысел и идею? У меня ответа два: и да, и нет. Зависит от того, какая у автора стратегия, нужно ли ему кому-то продавать свои произведения, с кем он коммуницирует, какой творческий процесс ему предстоит, и так далее. (В этом тексте я опираюсь на собственную интуитивную терминологию, в котором идея – это способ донести замысел, который кратко описывает, что происходит, а замысел – это то, что это значит, и что зритель должен почувствовать/понять в результате просмотра). Когда я училась на режиссуре, меня знатно бомбило от процесса формулирования «Управляющей идеи», потому что мне казалось, что мои мастера это понятие придумали сами, чтобы нас помучить, и на самом деле никому она не нужна. Смотря огромное количество клипов, зачастую я не могла сформулировать, в чем идея каждого из них. Позже в различной литературе и источниках я находила определения и синонимы этой самой управляющей идеи, авторского замысла, конструирующего принципа, и поняла, что большинство авторов всё-таки с ними, каждый по своему, работают. Спойлер: но не все. Что же даёт формулирование идеи и замысла? Во-первых, опору при выборе. При наличии замысла художественные средства выбираются не интуитивно, а исходя из того, какое чувство они передают аудитории, и чего хочет от них добиться режиссёр. Произведение строится вокруг противостояния двух тем и/или состояний начало-конец, соответственно, средства и сюжет как бы нанизываются на этот каркас, облегчая всю работу – начиная от экспликации и заканчивая выбором рубашки на примерке. Чёткое осознание замысла произведения даёт автору возможность планировать воздействие на зрителя. При таком подходе, например, широкоугольная камера является не данью моде, а инструментом, играющим на эффект присутствия, которое, допустим, помогает передать чувство страха при попытке выжить. При этом, я считаю, нет ничего плохого в том, чтобы сделать стильный цветкор, вообще не опираясь на идею. Главное, чтобы произведение, в конечном счёте, дошло до своего зрителя. Как правило, для этого требуется хотя бы 2-3 образа/инструмента, которые чётко работают по законам идеи. Во-вторых, и это, пожалуй, гораздо более важно: чётко сформулированный замысел даёт возможность автору коммуницировать не только со своей аудиторией, но и с командой, коллаборировать с ней и отвечать на вопросы. Художник спросит – «Почему здесь должен быть красный? Давай сделаем розовый!», а режиссёру нужно уметь объяснить, почему красный или согласиться с тем, что розовый работает в этом случае, действительно, лучше. А если в продакшне ещё и задействован клиент или музыкант, и произведение является его коммерческим продолжением, тем более важно договориться, о чем будет работа, и из чего она будет соткана. Однако, надо признать, что есть всё-таки авторы, чьи задумки не поддаются трактовке или теряют от неё своё очарование. В таком случае, на мой взгляд, нужно просто умело работать со словом и описанием образов именно на уровне идеи, и игнорировать глубинный замысел. Если придуманный мир будет интересным, в нём будет какая-то необъяснимая физика, то зритель или клиент будет просто очень заинтересован в том, что происходит. Вместо того, чтобы объяснять, почему в вашем клипе происходит то или иное действие, можно просто описать происходящее каким-то эффектным, но подробным словосочетанием, вроде «в кадре стареет плюшевый медведь». Реакция, которую нужно им вызвать – Что? Такое я бы посмотрел.